Kati Horna: “Me hice fotógrafa en París y fotoreportera en España”

KATI HORNA (Hungría, 1912 – México, 2000)

“Creo que al final mis fotos viajarán solas. Sólo soy una obrera del arte”. Kati Horna

Captura de pantalla 2014-05-31 a la(s) 19.00.28   Aunque otros y otras se han llevado la fama, quizá fue la fotógrafa más comprometida con la causa del pueblo español que se enfrentó al golpe de Estado franquista. Kati Horna (1912-2000) nunca buscó colgarse medallas como la más valiente o temeraria durante la Guerra Civil: prefirió retratar a las mujeres, hombres, niños y ancianos que la sufrían y la vida cotidiana tras los frentes de batalla, tan dura o brutal en ocasiones como estos. Una retrospectiva en el museo Jeu de Paume de París muestra 150 obras de esta incansable luchadora, cosmopolita, vanguardista y, como añadido casi frívolo, la novia a la que más quiso el también fotógrafo Robert Capa. La exposición parisina, que intenta condensar los sesenta años de trabajo de Horna, traza el paso zigzaguante por el mundo de una fotógrafa nacida en Hungría como Kati Deutsch, hija de una familia de banqueros pero recelosa de las comodidades y privilegios de un futuro acomodado. Prefirió moverse: a los 19 años viajó a Berlín para conocer al escritor antifascista Bertolt Brecht, cuyo aviso de los peligros del naciente nazismo la llevaron a participar en manifestaciones y protestas callejeras; luego regresó a Budapest, donde, siguiendo los consejos que había recibido del eminente László Moholi-Nagy, profesor de la Bauhaus al que también había frecuentado en Alemania, aprendió los rudimentos de la fotografía como ayudante de József Pécsi. “El insólito cotidiano” En 1932, dado el avance del nazismo en Hungría, escapó a París, donde trabajó haciendo foto fija en películas y firmó sus primeros reportajes para Agence Photo: sendas series sobre mercadillos callejeros y cafés en las que persiguió capturar lo que denominaba “el insólito cotidiano” dando a los objetos tanto valor como a las personas y empleando un agudo sentido del humor, sobre todo en las historietas que firmó a medias con el dibujante surrealista alemán Wolfgang Burger en las que humanizaron a frutas y verduras para hacerlas protagonistas de historias de amor o parábolas políticas. Fue fotógrafa de una de las mejores revistas ácratas, ‘Umbral: Semario de la Nueva Era’ Cada vez más comprometida con los ideales anarquistas, en 1937 viajó a España para retratar la situación de los pueblos colectivizados de Aragón por encargo de la Confederación Nacional del Trabajo, la poderosa central sindical ácrata. En julio del mismo año entró como redactora en la revista Umbral: Semanario de la Nueva Era, una de las mejor diseñadas y con más atención a la fotografía de aquel tiempo, y también colaboró con las publicaciones anarquistas Tierra y Libertad, Tiempos Nuevos y Mujeres Libres. “Una obrera del arte” Horna, que documentó la guerra hasta la evacuación de Teruel y se definía a sí misma como “una obrera del arte”, contienen una cualidad humana que coloca a las personas por encima de la situación. Tanto las imágenes de milicianos como las de civiles —entre ellas sus famosas y tiernas “madres combativas” amamantando a niños— buscan el respiro aparentemente imposible de humanidad en medio de la barbarie, que dejó asomar con mayor claridad en los collages salvajes como Navidad en España, 1937, donde los esqueletos expuestos tras el bombardeo de un cementerio van acompañados por el texto: “Cristo se va y dice: ‘desde hoy no seré yo el símbolo del sufrimiento”. Una joven con cuerpo de anciana, mágica, inteligentísima, sabia, inagotable Uno de sus compañeros en los avatares de la guerra definió a Horna como “una joven con cuerpo de anciana, intransigente, mágica, inteligentísima, sabia, inagotable, una luchadora”. Otro, el fotógrafo Capa, a quien conocía desde la adolescencia, cuando ambos vivían en Budapest y él todavía se llamaba Endre Friedmann —adoptó el nombre de Robert Capa para “americanizarse”, solía decir, y “poder ganar dinero”—, le tiró los tejos con la insistencia de todo mujeriego contumaz. Vivieron unos meses de romance, rotos cuando ella conoció al amor de su vida, el pintor andaluz José Horna, también colaborador de Umbral, con el que la fotógrafa formaría pareja tras escapar ambos México en 1939. Máscaras, fetiches y muñecos Al otro lado del Atlántico —a donde la siguió el incansable Capa, que no se daba por vencido hasta que ella le tuvo que desengañar definitivamente—, la incansable Horna se unió a los surrealistas mexicanos, entre ellos la gran Leonora Carrington. Siguió firmando reportajes pero comenzó a escorarse hacia temas menos descriptivos, con abundancia de historias donde manda lo extraordinario mediante la presencia de máscaras, fetiches y muñecos. Estas fotografías visionarias enamoraron a algunos de los creadores más importantes del país durante la década de los años sesenta, desde la española Remedios Varo hasta Alejandro Jodorowsky. Buscar el reconocimiento de esta versátil fotógrafa humanista La retrospectiva de París contribuirá al “reconocimiento internacional de esta versátil y socialmente comprometida fotógrafa humanista”, dicen los organizadores, que destacan la “creatividad artística inusual” de Horna, su “contribución al fotoperiodismo” y la inserción de su obra en las vanguardias europeas de la primera mitad de siglo, desde el constructivismo ruso y la escuela Bauhaus, hasta el surrealismo y la nueva objetividad alemana. La exposición se divide en cinco períodos: los inicios en Budapest, Berlín y París entre 1933 y 1937; España y la Guerra Civil; París nuevamente en 1939 y México. En 1979 Horna cedió a España 270 fotos que tomó durante la Guerra Civil. Algunas de ellas pueden verse en un bastante abandonado rincón de la web de los archivos nacionales. Más fructífero es el ensayo Kati Horna y su manera cotidiana de captar la realidad, de Alicia Sánchez Mejorada [PDF].

Publicado en 20Minutos . 

 

 

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‘Amarás América': un libro con alma (Por Teresa Martín)

Originalmente publicado en Amarás América:

En esta entrada podéis leer la presentación de ‘Amarás América’ que realizó en el Centro Cultural Las Claras de la Fundación Cajamurcia la jefa de servicio de Programas de Jóvenes Europeos en el Ayuntamiento de Murcia, Teresa Martín Melgarejo, a la que muchos conocen por el sobrenombre de Matete y que también es una excelente reportera y fotoperiodista (ahí está su proyecto sobre la comunidad musulmana de Murcia y su reciente exposición ‘Mi vecina Taymia’). Por tanto tiempo compartido juntos y en familia, por tantos buenos momentos y por tanta confianza siempre en mí quiero darte las gracias, Matete. Tus palabras me siguen emocionando y me animan a seguir creyendo que aprender viajando es una estupenda forma de pasar esta vida y de estar en el mundo.

Matete fue quien me empujó a salir del cascarón y me presentó a sus amigos americanos. Ella conoció antes que yo a Celina…

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El Festival Internacional de la Imagen rinde homenaje a la fotógrafa Elsa Medina

maria teresa martin:

Magnifica Elsa Medina, fotógrafa mexicana .

Originalmente publicado en Centro de la Imagen:

Elsa Medina

En el contexto de la cuarta edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI) 2014, que se efectúa del 2 al 9 de mayo en la ciudad de Pachuca, Hidalgo, la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo (UAEH) y su patronato harán un reconocimiento a la destacada fotógrafa mexicana Elsa Medina por medio de una exposición retrospectiva para que los visitantes tengan la oportunidad de conocer su trayectoria y apreciar su obra.

En entrevista con La Jornada, la fotógrafa mencionó: Este reconocimiento a mi trabajo abarca desde 1986 hasta la fecha. La exposición consta de 50 imágenes. Me seleccionaron porque este año el tema del FINI es sobre la infancia y durante mucho tiempo he dado talleres de fotografía a niños, y por mi labor como fotoperiodista.

Durante su carrera Elsa Medina ha capturado imágenes que se han vuelto emblemáticas y forman parte de la historia de la fotografía…

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Reúnen en Nueva York la obra de grandes fotógrafos de América Latina

Originalmente publicado en Centro de la Imagen:

urbes mutantes

Maestros de la fotografía latinoamericana como Pedro Meyer, Graciela Iturbide, Lourdes Grobet, Bárbara Brandli, Paolo Gasparini, Alberto Korda, Horacio Coppola y Miguel Ángel Rojas forman parte de la exposición Urbes mutantes: fotografía latinoamericana 1944-2013, que se exhibirá del 16 de mayo al 7 de septiembre en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York.

La muestra refleja la vida nocturna, la cultura popular, los rostros de la pobreza y los movimientos de masas y protestas políticas en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, México, Perú y Venezuela. Se trata de diversas miradas sobre los cambios arquitectónicos, culturales y sociales que vivieron las ciudades latinoamericanas en la segunda mitad del s. XX.

La mayoría de los trabajos fotográficos abarcan de 1950 a 1980. Sin embargo, la curaduría a cargo del francés Alexis Fabry, permite conocer cómo las ciudades del continente americano han sido imaginadas, se explica en el portal de Internet del…

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Mi barrio, Vistabella……

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Lewis Hine, el fotógrafo que quería “corregir lo incorrecto”

  • Concluye el recorrido europeo de la gran antología “Fotografía para el cambio”.
  • Fue el primer documentalista en entender su trabajo como instrumento de cambio.
  • Retrató en el primer tercio del siglo XX a niños mendigos, inmigrantes tratados como objetos, personas buscando comida en los cubos de basura…

Una de las grandes antologías fotográficas de 2012 está a punto de ser clausurada en el Nederlands Fotomuseum de Róterdam (Holanda). Se trata de Lewis Hine: Fotograferen voor verandering (Lewis Hine: fotografía para el cambio), que ha permitido al público europeo entrar en contacto con la obra intensa de uno de los primeros fotógrafos sociales, capaz de plantear, durante el primer tercio del siglo XX, una alternativa de compromiso frente al esteticismo de los pioneros de la fotografía.

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El estadounidense Lewis Hine (1874-1940) hizo miles de fotografías sobre la injusticia mientras la mayoría de sus coetáneos se dedicaban a intentar emular a la pintura y mostraban escasísimo o nulo interés por el mundo circundante. En la obra profusa de Hine hay niños mendigos, inmigrantes tratados como objetos por las autoridades, personas buscando comida en los cubos de basura, talleres ilegales donde se empleaba mano de obra infantil, obreros construyendo en condiciones heroicas los rascacielos que simbolizaban el progreso…

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“Quiero mostrar lo que debe ser visto”

“Quiero mostrar lo que debe ser corregido, corregir lo incorrecto. Quiero mostrar lo que debe ser visto”, establecía como máximas de trabajo este precursor del documentalismo fotográfico que empezó tomando fotos, entre 1902 y 1904, de los inmigrantes recién llegados a los EE UU que eran interrogados por los agentes migratorios en la Isla Ellis de Nueva York —la gran aduana por la que entraron, entre 1892 y 1954, unos doce millones de viajeros, casi todos europeos, en busca de una vida mejor—.

Las fotos empezaron siendo un material complementario en los estudios de Sociología de Hines Las imágenes, en principio, tenían un objetivo académico: ayudar a Hines en sus estudios de Sociología, pero pronto despertaron la sensibilidad humana y social del fotógrafo, cuando reflexionó sobre la necesidad de difundir los frecuentes abusos que se cometían en las hasta entonces opacas instituciones migratorias e influir en la opinión pública.

El primer fotógrafo de las ONG

Una cosa dio paso a la otra y en 1906 Hine fue contratado como fotógrafo en plantilla de la Fundación Russell Sage, dedicada a la investigación en ciencias sociales (sobre todo en emigración, desempleo y desigualdad), con quienes colaboró como fotógrafo de campo en un estudio pionero llevado en cabo de Pittsburgh. Dos años después inició una década de colaboración con la entidad sin afán de lucro National Child Labor Committee, la organización más activa de los EE UU dedicada a combatir el uso de la mano de obra infantil.  Hine fue el primer reportero en dar cuenta de las condiciones de trabajo de los niños obreros que trabajaban en la ciudad y en el campo.

“Mis fotos son el lado visual de la educación pública”

Empeñado en desarrollar lo que llamaba “el lado visual de la educación pública”, la obra del fotógrafo, muy difundida en su tiempo, ha adquirido una gran resonancia posterior. En los EE UU está en marcha el llamado Proyecto Hine, que pretende buscar a los descendientes de los críos esclavos retratados a principios de siglo por el documentalista.

La exposición también muestra las que quizá sean las fotos más conocidas de Hine, la serie sobre los obreros que levantaban, en condiciones extremas que rozaban el heroísmo (mecanismos de seguridad: ninguno), los grandes rascacielos de Nueva York.

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Lewis Hine: Fotograferen voor verandering, integrada por 170 imágenes, la mayoría copias originales realizadas por el fotógrafo, está organizada por el Nederlands Fotomuseum —donde permanece en cartel hasta el 6 de enero—, la Fondation Henri Cartier-Bresson de París y la española Fundación Mapfre, que expuso la muestra en Madrid, aunque limitando el título al nombre del fotógrafo y eliminando el pertinente añadido de Fotografía para el cambio, que los otros coorganizadores sí usaron.

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Mas información sobre LEWIS HINE

http://www.historyplace.com/unitedstates/childlabor/

http://www.spartacus.schoolnet.co.uk/IRhine.htm

http://www.photocollect.com/bios/hine.html

http://www.fotografodigital.com/2012/02/lewis-hine-en-el-inicio-de-la-fotografia-comprometida/

http://documentarystudies.duke.edu/projects/hine

NUEVO DOCUMENTALISMO MEXICANO


Por Mónica Lozano, en CIENOJOS
José Luis Cuevas

 Patricia Mendoza, una de las grandes de la fotografía en México (fundó y dirigió el Centro de la Imagen de Ciudad de México, FotoseptiembreLos Talleres de Coyoacán y el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca) impartió una magnífica conferencia la semana pasada en el marco del Ojo de Pez Photomeeting II, en el Palau de la Virreina (Barcelona), que llevaba por título “Nuevo documentalismo mexicano”. Sin papeles y micrófono en mano, porque su vitalidad inmensa le impedía estar sentada, Patricia empezó citando las sabias palabras que Manuel Álvarez BravoDon Manuel, tenía escritas en la pared de su laboratorio: “hay tiempo, hay tiempo…” como aviso a navegantes apresurados.

Luego hizo un rendido homenaje a Nacho López, el pionero que según ella impulsó el trabajo de las siguientes generaciones, un fotorreportero cuyas instalaciones callejeras de los años 50 siguen sorprendiendo por su modernidad, y del origen de este neodocumentalismo, al que vinculó, entre otros acontecimientos, a la aparición de la televisión y al buen hacer de Manuel Becerra Costas al frente del periódico Uno más uno, en el cual dio cabida, en la sección “Vida cotidiana”, a muchos de los autores que luego citaría, como hiciera en su momento Brodovitch en Harper’s Bazar.

Nacho López

Definió esta nueva era de la fotografía, que “nace desde una búsqueda esencialmente personal de la confrontación con la realidad”, como “la irrupción de la conciencia de cómo se mira lo que se mira”, esa ética de la mirada que indaga en cómo miramos lo que nos rodea, algo esencial, y lo trenzó con la necesidad de utilizar la fotografía como una herramienta de construcción de identidad (“mirarnos para sabernos”).

“El nuevo documentalismo exige una conciencia sobre cómo es la imagen que estamos llevando al mundo, una enorme responsabilidad porque son esas imágenes las que construyen, a su vez, el mundo en el que vivimos”.

Comparó la comida con la fotografía y nos dijo que es esencial reflexionar sobre las imágenes que nos alimentan, eso que tantas veces he dicho yo… Si te alimentas de basura, eres basura. Formuló, de manera magistral, las sístoles sobre las que se articula este nuevo documentalismo, que oscila del romanticismo al naturalismo, de los sujetos a los contextos, de la contrucción de sentido desde el personaje al contexto y del contexto al personaje, del sentir del que mira la realidad al sentir del que mira la imagen. Y nos transmitió con alegría su satisfacción por vivir este momento en el que “verbo e imagen se integran, cuestionando muchas cosas y generando nuevas posibilidades, construyendo un nuevo ámbito de reflexión sobre la realidad”.

Terminó su intervención con una breve recopilación de algunos de estos nuevos autores, algunos de los cuales ya conocíamos, como Maya GodedJosé Luis CuevasEunice Adorno (de la que aún podéis visitar su exposición “Mujeres flor” en la Fnac de Murcia) o los hermanos Montiel Klimt (Gerardo y Fernando).

Maya Goded (“Tierra de brujas”)
José Luis Cuevas (“Nueva era”)
Eunice Adorno (“Mujeres flor”)
Gerardo Montiel Klimt (“Desierto”)
Fernando Montiel Klimt (“Actos de fé”)

Y nos sorprendió con otros como Mauricio Palos (la violencia en contextos de estabilidad), Elsa Medina (alumna de Nacho López, enamorada de la subjetividad cotidiana), Yvonne Venegas (hermana de la famosísima, de cuya necesidad de diferenciarse de ella nace todo su trabajo de análisis de la realidad donde creció, Tijuana), Patricia Aridjis (con sus nanas encarceladas, por ser “lanzaderas” sociales entre dos mundos inaproximables) o Kenia Nárez (cercana a los Klimt e interesada por la violencia escenificada y los cuentos infantiles).

Mauricio Palos (“Mi perro Rano”)
Elsa Medina
Yvonne Venegas (“Inédito”)
Patricia Aridjis (“Las horas negras”)
Kenia Nárez (“El conejo está muerto”)
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